Conversamos con la argenta Lucia Tacchetti sobre su camino en la música y su single “Laberinto”

Lucia Tacchetti es un artista de Buenos Aires - Argentina que empezó el camino en el 2015 con “Feriado” su primer EP, el cual caló para lograr estar primero en listas de Bandcamp. Siguiendo su camino musical ha publicado dos álbumes: “Degradé” y “VOL.3D”, dejando un gran repertorio y una amplia puesta en escena que con la que recorrió gran parte de Latinoamérica.

 

Conversamos con Lucia, en búsqueda de conocer un poco más del proyecto y su evolución, las cosas que la llevaron a definir su sonido, lírica y presencia musical, una interesante introducción a su música.

 

Cuando yo conocí el proyecto, este ya tenía varios años en desarrollo, si mi memoria no falla creo que fue con “Gritan Fuerte” que tuve mi primer acercamiento con tu música. Así como yo, mucha gente aún empieza a descubrirte. Desde tu percepción ¿cómo se ha desarrollado el proyecto durante los últimos años?

 Es un proyecto que fue mutando para convertirse en lo que es hoy. Gritan Fuerte fue quizá el quiebre más importante que tuve, donde empecé a sentir mayor solidez en el audio logrado y en el mensaje de las canciones. Desde VOL.3D, mi último disco editado en 2018, siento que encontré mi sonido y lo que me representa como artista.

 

Al empezar a conocer tu música encontré distintas facetas navegando por el pop con tintes trap hasta la electrónica ¿cómo definirías tu música actualmente?

 

Me gusta fusionar distintos estilos. Desde plano de la composición y el set en vivo, nace todo desde sintetizadores y samples, lo cual hace que siempre el tinte más predominante sea el electropop. Me gusta variar y jugar con beats de trap o de diferentes estilos. Siempre predomina la canción, sin importar los géneros que vaya abordando. Es importante para mí mantener la libertad a la hora de producir.

 

El año pasado, en tu lírica se sentía mucho el rechazo contra el machismo y el desprendimiento a el “qué dirán los demás” ¿de qué forma empiezas a tocar estos temas que de alguna forma han estado tan normalizadas por décadas?

 

Gritan Fuerte es una canción que aborda el feminismo y era una temática de la cual siempre quise hablar, en esa canción encontré las palabras que más me identifican para abordar la temática. En cuando al “¿qué dirán?”, surge del quiebre que tuve cuando mi música empezó a sonar de esta manera. Me gusta abordar temáticas que nos tocan de lleno y siento que como artistas es importante poner en palabras las cosas que nos interpelan.

 

Tu último single tiene una colaboración con Casero de España, a partir de ahí y de la actual pandemia que ha tenido muchos planes me nace la pregunta ¿este single ya se había planeado? ¿por qué hacerlo con Casero y no con otro artista?

 

Grabamos la canción en enero. Soy muy fan de sus canciones y me parece que las colaboraciones son una gran herramienta para conectar con otros músicos y potenciar los proyectos en otros países. La decisión de sumar a Casero viene porque siento que nuestros proyectos son muy afines en cuanto al sonido y a lo que intentamos desarrollar. El nuevo disco tendrá más colaboraciones de Argentina y México.

 

Para finalizar; es interesante como has explorado tu música en los últimos años, si a partir de ti podríamos desprender un hilo musical, ¿Qué otros artistas de la región podrías recomendarnos?

 

Isla De Caras (ARG), Clubz y Kirbauer (MX), Ela Minus (Colombia) y Fonosida (Chile)

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Es común encontrar entre la cantidad de artistas modernos la postura de “millonario”, descubriendo en ellos una imagen a la cual nosotros queremos pertenecer, tal vez sin darnos cuenta que detrás de todo esa riqueza, hay una profunda tristeza por la soledad y el esfuerzo que la fama requiere, el desamor y los problemas para centrar el camino los mantiene en una catarsis constante, esto precisamente vemos en “Alone”, el nuevo videoclip de V.Rod.

 

V.Rod, la nueva cara del género urbano según medios como Playlist Magazine, en este último sencillo, V.Rod juega con ritmos contemporáneos, tales como el dancehall  y flow’s únicos, combinados con una mezcla de cuerdas v pianos vintage que destacan en melodía, acompañado de un sub bass que atrapará tu oído.

 

El concepto visual, nos transmite un ambiente de éxito y soledad al mismo tiempo. El principal objetivo busca crear conciencia, y recordar a quienes vean y escuchen que lo material no lo es todo, por último, es una creación escrita, compuesta y mezclada por V.Rod, quien ha trabajado durante los últimos años con artistas nacionales e internacionales, tanto en el ámbito de producción como en featuring.

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El videoclip fue dirigido por el cineasta Diego Alvarez

Forastero Fernandez, uno de los referentes del ritmo urbano en Chile estrena su nuevo videoclip "Sola"  en compañía de Tello Contreras y High Beatz,  el videoclip fue dirigido por el cineasta Diego Alvarez de la mano de Insanity Producciones.

 

"Sola” es el nuevo sencillo estrenado este 2020 por Forastero Fernandez quien ha estado presente en la escena musical desde los 15 años, actualmente en su faceta más urbana. "Sola" es la 5ta entrega del nuevo material del artista enfocado en la música urbana. Este nuevo video musical cuenta además con el featuring de Tello Contreras & High Beatz, completando una colaboración sencillamente pegajosa que hará mover todos tus sentidos.

 

En la realización de este nuevo material audiovisual contaron con la dirección del cineasta Diego Alvarez León quien en conjunto a Insanity producciones en la producción fílmica, realizaron este sensual pero movedizo videoclip filmado en las costas y cerros de Valparaiso Chile, justo antes de la pandemia.

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Estridencia post punk, DIY y crítica social

El dolor patriótico es un sentimiento que muchos países compartimos, en esa ocasión la empatía ocurre con Colombia y Perú. Representados por Babelgam en su mas reciente single “KYC”, una canción que expone de manera crítica temas sociopolíticos que hacen frente a las figuras autoritarias del país.

 

PERO, ¿QUIÉNES SON BABELGAM?

 

Babelgam se identifica como un proyecto artístico nacido en Suba Bogotá, su concepto lírico; es hacer frente a temas como el machismo, corrupción, posverdad, homofobia, figuras de autoridad y varios elementos de la idiosincrasia criolla actual, desde un mundo sonoro estridente, post punk, o como ellos mismo denominan doompunk.

 

Desde el amado y latino DIY han logrado publicar “Mar de hilados”, su primer EP, el cual los posicionó como uno de los proyectos más adulantes de la escena colombiana, siendo mencionado por medios de renombre y invitados a participar de diferentes shows, siendo el Festival Estéreo Picnic uno de los más importantes en su carrera, el cual lamentablemente se vería interrumpido por la actual pandemia.

 

EL AÑO DEL COVID

 

Keanu Reeves daría la apertura al año musical para Babelgam, esta canción encarna en su aura post punk una historia de amor. A partir de aquí, es notable la inserción de nuevas capas de sonido en su música, adoptando un sonido más sintético y dulce.

 

En KYC, la historia iría un poco más allá, la lucha ya no estaría en el corazón sentimental, si no, en el corazón patriótico, adoptando una postura cruda y rabiosa en crítica a las figuras paternas del país. El sonido también divagaba de sus raíces. pues ahora tenemos un “electro-clash” rondando los parlantes.

 “Principalmente, queríamos hacer un electro-clash, lo que pasa en esa movida avant-punk de Nueva York. Esto va en paralelo con el haber adquirido un sintetizador KORG, querer jugar con un secuenciador, hacer unos pads y explorar un sonido más allá de las guitarras que habíamos construido en Mar de hiladas”, explica Juan Tuaty, “KYC” se refiere al actual momento social, en el que la derecha ha regresado para tomar el mando de varios gobiernos alrededor del globo.

 

“KYC” es un llamado de Babelgam a esta generación —y todas las venideras—, de poder tener un pensamiento propio y no creer en mentiras. En esta etapa del dolor cachaco, se exploran más la síntesis y las secuencias para llegar a una etapa más avant-garde y electrónica de la banda. Sin embargo, su energía no merma, sino que se transforma para alcanzar nuevos cielos y llegar más lejos.

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Power Rangers contra la kumbia millenial

¿Qué puedo decir de un país que jamás he conocido?, pues creo que mucho, Colombia es uno de los países que más anhelo tengo de conocer, desde su música he podido alucinar de un país luminoso, una ciudad que no descansa, de la fiesta a la playa, y de la playa al café, y del café a la fiesta, así viviría yo en Colombia, y si de fiesta hablamos, sin duda Los Cotopla Boys serían una presente señal de que la noche anda en subida o tal vez en ácidos.

 

Los Cotopla Boys llegan desde Bogotá, nacidos en el 2017 por el junte de cuatro universitarios que con ansias de fiesta y cumbia, fueron experimentando hasta definir su propio estilo musical encasillado en “cumbia millenial”, siendo su más recién tiro de gracia “Mamarron Vol.1”, un disco lleno de waracha, samples y harta locura kumbiera.

 

“Mamarron Vol.1’ es un disco que nos lleva al Perú, que nos hace pedir el Wasap, que nos recuerda a esa última conversación en donde nos dejaron en visto, que nos da ganas de coger un tren donde retumbe la cumbia para poder comernos una ganlleta y raspar fiesta hasta que nos exorcicemos de todos los demonios de este 2020. 

 

“Mamarron Vol.1”

Si la fiesta se acaba, solo basta con llamar a Los Cotopla boys, pues ellos son los superhéroes encargados de proteger y continuar con la fiesta, usar sus superpoderes para que la fiesta nunca acabe y para que todos puedan raspar.

En Mamarron conoceremos distintas historias narradas por los breves samples que encontramos a lo largo del álbum, desde el “futuro del país en manos de Iván Duque”, hasta “las penosas historias por ser el Raspafiestas”, aquí alternamos un poco más de la cumbia rebajada y la estridencia callejera, el uso de sintetizadores que nos evocan esa actualidad millenial sin futuro, una batería que nos retumba los sesos y aterrorizan los pies. Mamarron, un disco para bailar y para gozar.

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Primer sencillo inédito y dedicado enteramente a su madre

Desde Valencia – España conocemos a Mía Rizzo, una cantante con una raíz cultural que proviene del teatro músical, acto que la llevo a incursionar de forma solita en el mundo musical, creado así un estilo que suma dos grandes vertientes de la música iberoamericana, el bossa y el bolero, el son y la trova, llegando hasta sumar la música electrónica con el pop contemporáneo, una arriesgada composición que deja el corazón abierto a distintas emociones, siendo “Mundo de Dos”, su última entrega, en donde nuestro corazón recuerda fielmente el amor maternal.

 

“Mundo de Dos”, es el primer sencillo inédito de la española Mía, este single está coescrito por la artista, y enteramente dedicado a su madre, sentimiento que se genera a raíz del inmenso apoyo que recibió de su familia al hacer su debut como cantante, en lo sonoro, la melodía nos atrapa por su fusión de bolero con elementos electrónicos y sintéticos, la voz es una dulce compañera a lo largo de la canción, que dulcemente retoca con coros reverberados, encajando así en el afamado R&B.

 

Escuchar canciones con esta composición sentimental y encantadora es uno de los placeres más gustosos del día a día, la música iberoamericana tiene un gran futuro por delante que ante la actual pandemia está respondiendo de la forma más correcta y productiva.

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 Conozcamos más a Yeudiel Figueroa. 

Yeudiel es un cantautor originario de Oaxaca – México, su música es una interesante mezcla de indie folk con pop, que parte de un lírica nostálgica, soñadora y enamoradiza la cual lo ha llevado a codearse con artistas como Esteman, Francisco Barrios y más, así mismo, moverse dentro y fuera de su región.

 

El álbum “Mestizo” tardó un poco en ver la luz, sin embargo, previo a su lanzamiento pudimos escuchar “Hasta el final de mi”, “Ella” y “Entre mezcales y guitarras”, singles que mantuvieron la atención a lo que se venía, un disco que se compone de 10 canciones con características sonoras nativas de Oaxaca, en este álbum Yeudiel reversiona dos temas “Amor mío” y “Eso” del reconocido cantautor oaxaqueño Álvaro Carrillo.

 

Es impresionante como los artistas latinos siguen disponiendo de lanzar discos en la situación actual del universo, ante el inminente virus. Podríamos afirmar que Yeudiel y muchos artistas más de Latinoamérica, afrontan con valentía y arte el hecho de carecer de recursos para seguir promoviendo la cultura, enfrentando toda esta situación con música.

 

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¡Todos a bailar!, llegaron los chilenos a tender la pista de baile junto a Arranquemos el invierno, una canción influenciada por el junte de Miranda, Virus, Daft Punk, una mescolanza de ritmos capas de levantarnos de la cama a bailar cocinando arroz con huevo.

 

Luego del lanzamiento de Disco Inviernos, la banda armar grupito junto a Arranquemos el invierno, logrando “X la chucha”, el cual fue producido íntegramente por Alcoba Records, junto al registro de Cris Alejandro, el vocalista de Friolento.

 

"X la chucha  es una canción que tiene influencias de Miranda, Virus y Daft punk..." Cris Alejandro, voz Friolento. / "Me encantó cantarla. Disfrute mucho el ritmo. La grabe bailando..." -Pablo Álvarez, Arranquemos del invierno.

 

“X la chucha” (por la chucha) convergen los universos de ambos proyectos en una canción pop marcada por melodías bailables, coquetas y letras melancólicas. Sumándose al repertorio de la banda que cada vez suma más oyentes en Chile, Perú y Argentina y mira hacia el futuro con ansias de expandir su música por toda Latinoamérica.

Con relación a futuros lanzamientos, este invierno Friolento estrenará “44”, un EP acústico de 4 canciones que propone ser el soundtrack en estos tiempos de introspección y nostalgia que han marcado la temporada de pandemia. Esta placa será estrenada bajo etiqueta SurPop.

                   

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Ella no te ama, ya olvídala

 

¿Cuántas veces hemos querido sentir el power del punk en una canción?, bueno, Los Smiks te hicieron el favor, ahora, a demás de llorar con la popular barra “Por que yo en el amor soy un idiota”, ahora también podrás poguearla en la comodidad de tu hogar, y por que no, llorar un poco.

 

Los Smiks, tienen la misión de transformar canciones pop mundialmente conocidas a versiones punk, dándole una vida diferente, esta vez nos presenta “Un montón de estrellas”, de Polo Montañez.

 

Nacidos en el 2019, Los Smiks está formado por músicos conocidos de la escena rockera de Lima: Luis Mendez -40 Gramos- en la voz principal, Mario Acuña -Cecimonster vs Donka/Antihéroe- en la guitarra y coros, Javier Landa -Diazepunk/Tiempofuera- en el bajo y coros, André Vásquez -Recarga/Tiempofuera- en la guitarra y coros, y Joe Nizama -Decisión Final- en la batería.

 

A mediados del 2019, teniendo una lista de canciones pre escogidas, deciden entrar al estudio El Imperio, para grabar un primer disco de 8 canciones bajo la producción de Mauricio Llona y Ricardo Mendez.

 

Desde marzo último, la banda ha ido lanzando una canción cada mes. El primer single fue ‘Héroe’ de Enrique Iglesias, seguido por ‘Mi historia entre tus dedos’ de Gianluca Grignani y ‘La Playa’ de La Oreja de Van Gogh.

 

Los Skims, si ven esto, incluyan algo de Bad Bunny en su siguiente disco.

 

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Es 2020 y Bad Bunny ya no perrea sola, Taylor Swift dice cálmate perro y Gaga nos salvó con Chromatica. A pesar de tanto amor aún hay mucho que hacer. Escucha ahora algunos de los que nunca llegaron al Top de Radio Moda, pero la rompieron en otros lares.

Kylie Minogue – All The Lovers / Your Disco Needs You

Es difícil elegir canciones de Kylie porque prácticamente ella es una máquina de hacer himnos LGBT. “All The Lovers” es su mejor pieza en este ámbito, siendo un regalo para los gays al estrenarla en el Pride de Madrid -allá en el lejano 2010 de Bad Romance-.  La canción es una oda al amor, sin barreras, sin prejuicios, el video no se queda atrás, Kylie es una moderna Afrodita de pie sobre una montaña orgiástica de amantes. Como detalle la diva se negó a censurar los besos gais del video que exigieron varios países para poder transmitirlo.

“Your Disco Needs You” a diferencia de la anterior es una gema escondida. Habla sobre la importancia de las discos Lgbts en la comunidad como lugares de apoyo. “Nunca estás sola, sabes lo que tienes que hacer, no falles a tu pueblo que tu discoteca te necesita” canta en la versión en español. Kylie se multiplica en el video y marcha al ritmo del track que podría ser de los Village People. YDNY es un himno de lucha neón que debería sonar en cada pride. Si no puedo bailar esta no es mi revolución.

Scissor Sisters- Take Your Mama

Las Scissor Sisters son cuatro magas americanas que no tuvieron éxito en su país, pero volaron pelucas en Reino Unido y Australia -¿por eso serán tan amigas de Kylie?-. Podríamos enlistar fácilmente a Let´s Have a Kiki por aparecer en Glee pero la indicada es “Take Your Mama”. El track es otra gema escondida para el resto del mundo, pero #1 en Reino Unido.

La historia es simple: lleva a tu mamá a tomar unos tragos y sal del clóset mientras bailan Abba. “Gonna take your mama out all night, yeah we'll show her what it's all about” Es algo que Elthon John escribiría, pero con cierta melancolía. En la canción el tipo espera ser mayor  para poder salir del closet y la mamá termina llorando. Es increíble cómo fue #1 en 2005, años antes de Gaga y Rupaul. Se la enseñé a mi mamá y preguntó que canción de los Bee Gees era.

Arcade Fire - We Exist

Los Arcade Fire serán los únicos heteros en esta lista gracias la obra maestra que es Reflektor -Kylie no cuenta porque ella es Dios-. El disco Reflektor es una pieza audiovisual sobre la vida y la muerte desde distintos puntos de vista. En la canción “We Exist” hablan de la perspectiva de los miembros de la comunidad que son oprimidos y pelean de vuelta. “Daddy it's true, I'm different from you, But tell me why they treat me like this?” We exist repite el coro buscando una explicación en la homofobia y transfobia de la sociedad enferma. El video es otra joya, Andrew Garfield travestido camina hacia un bar hetero a pasarla bien, pero no sale bien. La violencia en pantalla muestra lo que la población trans pasa a diario.

Arca – Mequetrefe

El último disco de la diva trans latina experimental se estrenó esta semana, de él se desprende su último single “Mequetrefe”. La canción suena a un happy core alternativo bien hecho hasta que oyes la letra. “Ella vino caminando desde su casa, Ella no toma taxi, que la vean”. La canción habla sobre el orgullo que necesitan las personas trans al salir a la calle, algo que suena simple para el resto, pero se vuelve un acto mortal para elles. La población trans es la más afectada de la comunidad al punto de sufrir violencia que a veces acaba en muerte. Arca es consciente del poder que tiene con su plataforma, la usa, se expone. Sale airosa.

Perfume Genius – Hood / Queen

Mike Hadreas, aka Perfume Genius, es un artista americano homosexual que usa su sexualidad y vivencias como base para su música. Él mismo reconoce parte de su éxito a su orientación sin embargo esta viene con sufrimiento. La música de PG es melancólica y triste, a veces violenta, basada en la discriminación y violencia doméstica que experimentó el mismo músico. De esa parte viene “Hood”, la canción gay más triste del  mundo.  Un roto PG canta sobre cómo no sirve para recibir amor. La desesperanza gay hecha canción. “Nunca me llamarías baby si me conocieras de verdad” canta en el videoclip del track mientras el fallecido actor porno Arpad Miklos lo sostiene.

Con el tiempo Hadreas tomó poder de sus cenizas y dejo de lado sus raíces tristes. “Queen” marca un giro en su carrera al tomar una postura de empoderamiento y venganza. El artista se mira al espejo en un viaje psicodélico y es una reina de belleza rubia que destruye una sala de conferencias. “No family is safe when I sashay” grita mientras el patriarcado blanco cae.

Kim Petras - Malibu

No todo en el imaginario LGBT es tragedia. También hay fiesta, arcoíris y Paris Hilton. Kim Petras es una artista trans que se volvió famosa por ser la persona más joven en realizar su transición a los 16 años. No se quedó con esta fama y se dedicó a formarse una carrera como cantautora en Los Angeles. Ahora tiene grandes hits pop como Heart To Break o Don´t Want It At All. “Malibu” es su último sencillo, una canción puramente pop al estilo de Carly Rae Jepsen con palmeras de plástico y tragos de sombrillitas. En esta utopía Kim te invita a bailar con el amado tuyo por webcam y olvidar que estamos en cuarentena. El videoclip del track es un Smash Bros de íconos gais con apariciones de Charli XCX, Nikita Dragun, Paris Hilton, Dorian Electra, Aquaria, Pablo Vittar, Jessie J y más. En un mundo perfecto todos los fines de semana iríamos a Malibu. 

Javiera Mena – Espada / Agüita

Para su disco Otra Era a Javiera Mena le explotó la tacha. Todas las canciones de fantasía que había estado escribiendo hasta ese entonces alcanzaron su máximo potencial con sonidos y visuales perfectos. El primer single del álbum fue “Espada”, oda al amor lésbico adolescente -perfecta para representar el disco-. Mena es una artista lesbiana que no tiene miedo de usar su orientación como base de su arte, pero aquí se pasó. Espada es un latigazo de electro pop lésbico que te azota la cara. “Cuando te vi aparecer, con la espada en la mochila…quiero que tu espada me atraviese solamente a mí”. Queda claro que no solo los hombres tienen espadas.

“Agüita” es una canción de la pop star mexicana Danna Paola pero tiene todo el rastro de Mena en la letra. Javiera escribió esta canción para ser el intro de una telenovela de MTV sobre Niñas Mal y se lo tomó muy en serio. “Si la vida es un sueño y es un paraíso y quiero nadar, ay, en estas aguas de tus ondas y que tú nades igual” Vamos, la canción habla sobre sexo lésbico. La Danna Paola adolescente, que luego se volvería Lucrecia Montesinos, era muy cándida para entender la letra en ese entonces. Tampoco entendía por qué se volvió un éxito en discos gais de México. Pasó el tiempo e hizo clic, ahora abre todos sus conciertos con Agüita.

Hercules and Love Affair – Blind

La banda fundada por el dj Andy Butler de NY toma su nombre del mito de Hercules e Hylas. Hercules toma a Hylas de acompañante, le enseña a pelear y se vuelven amantes. Hylas es secuestrado por ninfas y Hercules se queda en la isla para buscarlo. El hombre más fuerte del mundo también fue gay y se enamoró. El primer single de la banda fue “Blind”, hecho en colaboración con la cantante trans Anhoni. Ambos tenían dudas sobre la canción y no es hasta que Anhoni gana el Mercury Prize que se deciden a lanzarlo. Blind explota en discos y listas y es la mejor canción del año en Pitchfork. El tracks es un dance bailable mezclado con la voz grave de Anhoni, que se rehúsa a seguir cánones tradicionales, y habla sobre la experiencia de Butler al salir del closet. Rechazado por su familia, encuentra por fin libertad en las pistas de baile.  “As a child, I knew, That the stars could only get brighter, That we would get closer”. Pero al salir se encontró con vicios y otras personas igual de lastimadas que él.

St Vincent – Slow Disco

El último disco de Annie Clark es hermoso. Masseduction es una epopeya de recuerdos, confesiones, miedos y sensualidad. Obra cumbre de St Vincent, que se declaró de género fluido a mitad de la década. Drogas, despedidas y sexo se mezclan con instrumentos que la misma Clark fabricó y tocó en este álbum de glam rock más electrónica. De entre ellas sale Slow Disco, balada en la que escapa de la pista de baile a la que tanto quiso llegar. El track es una oda a las discos gais como centros de lucha a lo Kylie Minogue y Scissor Sisters; pero también trata sobre llorar mientras bailas al estilo de Hercules and Love Affair. “There's blood in my ears, And a fool in the mirror, And the pain of mistakes couldn't get any clearer”. St Vincent mezcla lo mejor de dos mundos en Fast Slow Disco, una nueva versión de la canción con beats synthpop que recuerdan al Dancing On My Own de Robyn. En el video de la canción Clark es la antítesis de Kylie en All The Lovers. En medio de un bar gay sudoroso la artista es atrapada por una orgía. La oscuridad neón y el cuero son lo opuesto a lo prístino de la montaña de amantes. St Vincent se deja llevar y se les une. “¿No es mejor bailar que esperar solos a la muerte?”.

Escrito por Rodrigo Callo a.k.a Estado de Limbo, síguelo en sus redes, Facebook, Instagram